草间弥生70年来最大型的回顾展，我们替你看了

源济

草间弥生70年来最大型的回顾展，我们替你看了 

原创 2017-03-01 浅子 一晚美学

好几年前，草间弥生展第一次来上海，浅子也去凑过热闹，当时中山公园里为了这些奇妙的波点排起了长队。翻出了一张当年在Ins上po的图……（这个装置会在后文出现）

今年，草间奶奶即将迎来自己的88岁生日，却仍高调地走在艺术创作的最前线。在六本木的国立新美术馆，最近在举行一场声势浩大的草间弥生回顾展「我们永远的灵魂」。这也是她70年的艺术生涯中最大规模的一次展览——可以说凝结了草间弥生的全部精华。

△ 六本木的展厅里，草间弥生穿着自己设计的衣服坐在轮椅上。

草间弥生（Yayoi Kusama），日本最有影响力的前卫艺术家之一。从小患有精神病，被大量幻觉困扰，因此她眼中的世界也带上了独特的颜色。她标志性的波点是一种生命的象征。

让我们试着去看看隐藏在这些绚丽波点下的，草间奶奶真正想对我们表达的东西。

草间弥生的波点

从国立新美术馆的外面就已经开始蔓延

△ 展厅外的这只南瓜是这次展览的合作方秋田县的FOCA美术馆的永久馆藏，这次的展览可以说集中了全日本的草间弥生藏品。

△ 这幅巨大的富士山画挂在展览入口处的墙上，它的名字似乎暗藏着草间弥生想要表达的世界观。

△「生命无限，向着宇宙燃烧之时（生命は限りもなく、宇宙に燃え上がって行く時）」

进入主展厅后，首先会被满墙壁的巨幅画作包围。它们每一幅都有半人高，整个空间有很强的冲击力。这些就是草间弥生从2009年开始全力创作的「我们永远的灵魂（わが永遠の魂）」系列。人的侧脸、眼睛、显微镜下的小生物，在草间弥生独特视角的演绎下极具冲击力，好像有一种要溢出的生命力。中间的装置是乱舞的花朵，被无数的波点簇拥着。它的名字叫「明日之花」。

△「明日之花（明日咲く花）」

艺术评论家们都认为「我们永远的灵魂」系列是草间弥生70年艺术人生的集大成者。她花了七年为这个系列创作了500幅作品，从中可以推算出来她惊人的创作速度，除去双休日，她平均每2~3天就得完成一幅。这次展厅内共精选了其中的140幅，其中绝大部分都是首次公开。

△「我们永远的灵魂（わが永遠の魂）」系列

草间弥生说，她不希望自己的艺术风格能概括为某种单一的倾向，因此一直希望创作出更独特的作品。「我们永远的灵魂」对她来是走过了漫长的艺术之路后，一次新的挑战。

草间弥生在「我们永远的灵魂」系列之前创作的是用黑色马克笔描绘的「永恒之爱（愛はとこしえ）」。这个系列也是浅子几年前在上海展中见过的。

△「永恒之爱（愛はとこしえ）」

但相比「永恒之爱」系列中的50件作品，这次的不仅块头大了一倍，数量更达到了10倍以上。草间弥生说，她将继续创作，直到「我们永远的灵魂」达到1000件。这种创作热情令人赞叹。这一系列里每一幅画的标题都耐人寻味：「星星在说（星は語っている）」、「爱情的开始（恋のはじまり）」、「被花朵包裹的地球正等待和平（花に包まれた地球は戦争のない平和をまっている）」、「想在战斗后的宇宙尽头死去（闘いのあと宇宙の果てで死にたい）」……每一幅画中都暗藏着草间急切地想传达给人们的信息。她说即使自己死去，自己的艺术仍然会在一百年、甚至两百年后留存。

浅子挑了几张，我们一起仔细看看。

△「爱情的开始（恋のはじまり）」 2010年

△「人类之爱的全部（人類の愛のすべて）」2015年

△「星星在说（星は語っている）」2013年

在「我们永远的灵魂」系列隔壁的展示室里，按年代陈列着草间弥生更早期的作品，是对她这70年的艺术作品的一次系统性回顾。其中有很多她绝少对外展出的初期的作品，因此异常珍贵。无论是最新的作品部分还是初期作品回顾的部分，草间弥生都尝试着把强烈的思考传递给观者。

△这间展示室里的是草间弥生1957年赴美前的初期作品。当时她第一次认识了自己的伯乐——精神科医生西丸四方。后者是她一生的知己。

这里有一幅草间弥生十岁时（1939年）画的母亲肖像，上面同样布满波点。她从小被这种幻觉困扰，为了从这份恐惧中逃离出来，草间弥生找到的方法是画画。

从她的早期作品里，我们能看到一种在抽象和具象中不断往返的实验性，以及她与生俱来的，细腻的观察力。

在草间弥生纽约时期的展示室里，充斥着各种形态的、细密的网眼。草间弥生在纽约的时候痴迷于这种网眼，它们在画布上扩散至无穷，她当时甚至出现了巨网侵蚀了整个房间的幻觉。她当时还在纽约举办了一个以网眼为主题的个展，大获成功。

△仔细观察草间弥生作品，每一个网眼都细腻地令人惊叹。

在1960年代Action painting全盛的背景里，草间弥生一边忍受着极度贫困的生活，一边执拗地描绘着自己心中独一无二的画面。她的画是别人无法模仿的。我们或许能透过她这一时期的作品，看到她当年的那份固执。

△「驶向死海（死の海を行く）」是草间弥生纽约时代的一个软性雕塑装置，素材是布。这种“重复”的艺术手法后来甚至影响了安迪沃霍尔。它是草间弥生当时为了逃脱对性的恐惧而创作的。

△之后这种元素还被运用到了家具中：（从左至右）「The Man」「无题」「Traveling Life」

△（从左至右）「被困住的Danny La Rue」「最后的晚餐」「太阳的雄蕊」

△「黄树的客厅」，里面的沙发是和家居品牌graf的合作款。

1970年代，草间弥生因为身体原因从美国回到了日本。这之后她开始创作大量小部头的拼贴画作品。

△（从左至右）「水中影（水に映った蔭）」「当我自杀后（自殺した私）」

之后则出现我们熟悉的这些可爱的主题。诸如南瓜、蝴蝶、鸟、鱼……还有这个草间弥生展中标志性的互动房间「Obliteration Room」，和草间弥生在美期间的挚友——家具设计师Joseph Kosuth合作。

在展览开始之前，这是一个纯白色的房间。

在参观时我们会被发到各种颜色的波点贴纸，可以在屋子里随意乱贴。「Obliteration Room」，这个名字的意思是会自己消失的房间，随着展览的展开，这里所有的家具和陈设都会被溶解在草间弥生的波点里。

这个暗室也是草间弥生展的惯例之一，这个装置的名字叫「被生命的光辉充满（生命の輝きに満ちて）」，像是一个有无数星星眨眼的微型宇宙。在草间弥生的画中用来象征生命的波点，在这里闪着红色、蓝色、黄色……用草间弥生的话来说，无数的星星在黑暗中相互呼应，无数的爱在诞生。

△「被生命的光辉充满（生命の輝きに満ちて）」是由无数的迷你灯泡组成的作品，以草间弥生1960年代在纽约的创作为原型。

浅子之前对草间弥生上海展中那些天台上的铝球印象深刻，这次东京新美术馆的展中果然又见到了它们。草间弥生的波点元素把美术馆冷清的庭园子装点得很热闹。

△装置作品「那喀索斯之庭（ナルシスの庭）」

循着展览的引导音乐进入会场的各个部分参观，其中穿插着许多对草间弥生本人的采访，即使是不懂日语的人，也能从她的言语间感受到这位87岁的艺术家的满腔热情。值得一提的是，从这次的音声导游里，你能时不时地听到草间奶奶的歌声。

总之，浅子认为这次东京的「我们永远的灵魂」展，对于感兴趣草间弥生的艺术的人来说，是一次很值得尝试的温故知新。

本文部分图文参考外网